Locarno 2026 – Werden die Leoparden unsere Freunde?

Warum reicht bei so vielen Filmen, so vielen Namen und dem ganzen Festival-Trubel der Ertrag mancher Festivals nicht mehr so überzeugend aus wie früher?

Es geht nicht darum, dass die Lust, zu Festivals zu gehen, nachgelassen hätte. Noch immer ist es reizvoll, Filme auf der Leinwand zu sehen, neuen Filmen zu begegnen und unter verschiedenen Menschen aus der Filmwelt zu sein. Es geht eher um die Planung, die Filmauswahl und die Ausrichtung der Festivals – darum, was zwischen dem Prestige von Namen und wirtschaftlichen Mechanismen tatsächlich auf der Leinwand übrig bleibt. Auch die Festivals werden Jahr für Jahr teurer, und der Zugang zu manchen von ihnen gleicht mitunter dem Durchqueren eines Flughafen-Gates.

Die 79. Ausgabe des Filmfestivals Locarno fand vom 5. bis 15. August 2026 statt; eine Ausgabe mit 233 Filmen und 103 Weltpremieren, die sich zwischen Autorenkino, den Filmen des Hauptwettbewerbs, historischen Programmen und den grösseren Filmen der Piazza Grande bewegte. Unter den Namen des Hauptwettbewerbs waren Filmemacher wie Hong Sangsoo, Denis Côté, Florin Șerban, Giovanni Tortorici, Basil Da Cunha, Matheus Farias und Enock Carvalho zu sehen. Daneben verlieh die Anwesenheit von Persönlichkeiten wie Darren Aronofsky, Isabella Rossellini, James Gray, Asia Argento und Rick Baker dem Festival eine weitere Facette.

Locarno hat in seiner Geschichte stets Filmemachern Aufmerksamkeit geschenkt, die noch nicht zu etablierten Namen des Weltkinos geworden waren. Eines der wichtigen Merkmale des Festivals ist genau diese Aufmerksamkeit für Stimmen, die noch nicht im Zentrum der Aufmerksamkeit standen. Die Erwartung an Locarno besteht daher nicht nur darin, das Prestige der Vergangenheit zu bewahren; die Auswahl sollte gelegentlich auch neues Prestige schaffen können.

Doch nach einigen Tagen des Filmesehens war das Hauptproblem nicht ein Mangel an guten Filmen. Bemerkenswerte Filme gab es. Das Problem war eher eine Distanz, die man manchmal zwischen dem Renommee des Filmemachers, der Bedeutung des Themas und der filmischen Sprache selbst spürte. Dies betrifft natürlich nicht nur Locarno; auch bei grossen Festivals wie Berlin und Cannes wird ein Teil des Hauptwettbewerbs von Namen, Verleihern und wirtschaftlichen Erwägungen beeinflusst. Das Problem beginnt dort, wo dieses Renommee anstelle des Films selbst zum Hauptkriterium der Beurteilung wird.

Nu e locul tău aici (You Don’t Belong Here) von Florin Șerban ist ein 154-minütiger Film über einen Arzt, der, nachdem sein jugendlicher Sohn eines Mordes verdächtigt wird, mit einer Vergangenheit konfrontiert wird, von der er glaubte, sie hinter sich gelassen zu haben. Die Idee des Films ist bemerkenswert, insbesondere dort, wo die verdrängte Vergangenheit des Vaters mit der Tragödie der Gegenwart verknüpft wird und individuelle Verantwortung sowie soziale Beziehungen im Subtext hinterfragt werden.

Das Problem liegt jedoch in der Umsetzung.

Der Film stützt sich stark auf Plansequenzen, also lange Einstellungen, und auf Dialog. Doch eine lange Einstellung ist an sich noch keine filmische Sprache. Sie gewinnt erst dann Bedeutung, wenn Mise-en-scène, die Bewegung der Schauspieler, Ton und visuelle Informationen innerhalb der Einstellung einen Rhythmus erzeugen können.

In vielen Einstellungen des Films erzeugt das Bild keine neuen Informationen, und auch die Mise-en-scène funktioniert nicht immer im Verhältnis zu der Zeit, die die Einstellung dem Zuschauer abverlangt. Das Ergebnis ähnelt zuweilen eher einem Hörspiel, das vor der Kamera aufgeführt wurde. Die Idee des Drehbuchs und der gesellschaftliche Subtext des Films sind vertretbar, doch eine scheinbar anspruchsvolle Form wird nicht zwangsläufig zu einer filmischen und bleibenden Erfahrung.

Unter den Filmen des Hauptwettbewerbs war Ketticè von Giovanni Tortorici ein weiteres interessantes Beispiel. Die Geschichte zweier Jugendlicher, Giulio und Cate, spielt 2012 in Palermo; ihre Freundschaft wird zu einem Zufluchtsort vor der Schule, der Familie und der Welt der Erwachsenen. Der Film überzeugt in der Umsetzung nicht überall; die schauspielerischen Leistungen sind nicht durchweg herausragend, und manche Situationen wirken vertraut. Doch er hat ein lebendiges Anliegen. Herumstreunen, Drogenkonsum, Weglaufen von zu Hause und die Distanz zu Schule und Familie sind nicht bloss jugendliche Verhaltensweisen; sie sind Zeichen einer Leere, in der diese Generation lebt.

Denis Côté kehrte mit Violence du corps de l’autre ebenfalls nach Locarno zurück. Die Atmosphäre des Films überlässt die Figuren, wie in vielen Werken Côtés, eher seltsamen und unruhigen Situationen, statt die Geschichte auf konventionelle Weise voranzutreiben; Körper, Natur, Stille und ungewöhnliche Beziehungen zwischen den Menschen bilden einen wichtigen Teil der Atmosphäre des Films.

Doch für mich wiederholte sich die Qualität, die in Paul vorhanden war, nicht. Paul, den ich in der Sektion Panorama der Berlinale gesehen hatte, handelte von einem Mann, der vom Putzen fremder Wohnungen lebte und für den diese Tätigkeit allmählich zu einer Art Meditation wurde; sogar sein Körper und sein Gesundheitszustand veränderten sich auf diesem Weg. Jener Film machte aus einer einfachen Handlung, dem Putzen, eine menschliche und körperliche Erfahrung. In Violence du corps de l’autre sind die eigenartige Atmosphäre und Côtés persönliche Handschrift weiterhin vorhanden, doch dieses Mal wird daraus für mich nicht dieselbe konzentrierte, menschliche Erfahrung.

Das Problem ist nicht die Schwierigkeit des Films; die Sache ist, dass Ambiguität nicht immer Tiefe bedeutet. Manchmal wird die persönliche Handschrift eines Filmemachers, statt eine neue Tür zu öffnen, zur Wiederholung seiner eigenen, bereits bekannten Sprache.

Hong Sangsoo kehrt mit Nun Dul Dega Eomne, im Englischen Nowhere to Lay My Eyes, erneut in seine vertraute Welt zurück: Zuhause, Restaurant, Familientreffen, Essen, Trinken und Gespräche, die zunächst alltäglich wirken und nach und nach die Beziehungen der Figuren offenbaren.

Er schreibt weiterhin selbst das Drehbuch, führt Regie, schneidet den Film und komponiert die Musik selbst. Diese Unabhängigkeit verdient Respekt, und sein leiser Humor ist ebenfalls Teil seiner persönlichen, wohlbekannten Sprache geworden.

Doch eine Frage bleibt: Wenn genau dieser Film, mit demselben langsamen Rhythmus und derselben Menge an Dialog, unter der Signatur eines jungen, unbekannten Filmemachers entstanden wäre – hätte er dann ebenso leicht seinen Weg in den Hauptwettbewerb eines grossen Festivals gefunden?

Wahrscheinlich nicht.

Das ist keine Frage der Person Hong Sangsoo; es ist eine Frage des Mechanismus, in dem der Name des Filmemachers manchmal vor dem Film selbst den Saal betritt.

Ich ist ein Anderer von Felix Randau, gezeigt auf der Piazza Grande, ist ein weiteres Beispiel für die Bedeutung der Mise-en-scène in einem begrenzten Raum. Ein Grossteil des Films spielt im Zug und im Dialog zweier Figuren, doch die schauspielerischen Leistungen und die Beherrschung der Erzählung verhindern, dass der geschlossene Raum vollständig auf eine theaterhafte Situation reduziert wird. Manchmal genügt ein Zug, wenn der Regisseur weiss, was er damit anfangen soll.

Frank & Louis von Petra Volpe spielt ebenfalls in einem Gefängnis und dreht sich um eine Beziehung zwischen zwei Häftlingen. Doch in Volpes vorherigem Film Heldin erzeugte das Krankenhaus – obwohl es kein Gefängnis war – manchmal ein noch beklemmenderes Gefühl als ein Gefängnis; denn der innere Zusammenbruch der Krankenschwester und der Druck der Umgebung machten den Raum selbst zu einem Teil der Krise der Figur. In Frank & Louis befinden wir uns dieses Mal tatsächlich in einem Gefängnis, doch das Gefängnis wird nicht im gleichen Mass zur visuellen Sprache des Films. Vielleicht liegt genau hier der Unterschied: zwischen einem Film, der an einem Ort spielt, und einem Film, der einen Ort in Kino verwandelt.

Im Hauptwettbewerb war auch O Jacaré von Basil Da Cunha einer jener Filme, die in Regie und Raumgestaltung mehr Kreativität zeigten. Die Geschichte spielt in Reboleira, einem Vorort von Lissabon; nachdem das Geld aus einem Raubüberfall verschwunden ist, gerät das Viertel unter polizeiliche Belagerung, und Gerüchte sowie Mutmassungen verbreiten sich unter den Bewohnern.

Das Krokodil ist nicht bloss ein erzählerisches Element; es wird zum Symbol einer Macht, die den Menschen jederzeit verschlingen kann – eine Metapher für eine gewaltsame Ordnung, die wehrlose Menschen in Situationen bringt, in denen sie zum Überleben zu Kriminalität und Gewalt getrieben werden. Raumgestaltung, schauspielerische Leistungen und Regie gelingt es, diese geschlossene, spannungsgeladene Welt aufzubauen.

A Margem do Rio von Matheus Farias und Enock Carvalho gehörte ebenfalls zu den bemerkenswerten Filmen des Hauptwettbewerbs. Der Film spielt in Recife; dort geht Isaquiel, ein als Reinigungskraft arbeitender Mann, nachts zu heimlichen Treffen in die Mangrovenwälder und lernt Jeremias kennen, einen geheimnisvollen Fischer.

Der Film nutzt den Raum sehr erfolgreich. Fluss, Mangrove, Wasser, Nacht und sogar die Fische sind nicht bloss Hintergrund; sie werden Teil der Welt der Figuren und ihrer Beziehung. Auch die Beziehung dieser beiden Männer ist nicht nur eine Liebesgeschichte; der Film nähert sich durch sie dem verborgenen Leben von Menschen an, die einen Teil ihres Lebens fern vom Blick der Gesellschaft erleben. Hier rücken Freundschaft, Verlangen und die Möglichkeit des Vertrauens zueinander nah zusammen.

In der Sektion Cineasti del Presente zeigten mehrere Filme, mehr als bloss übliche Festivalauswahlen zu sein, dass man auch heute noch auf neue Blickweisen stossen kann.

In Los Días Libres von Lucila Mariani lernt die Figur Bego Skaten und versucht, sich durch diese Erfahrung selbst zu verändern. Nach und nach lernt sie eine Gruppe von Skatern kennen und tritt zwischen der Realität, in der sie lebt, und der Welt, die sie sich aufbauen möchte, in eine neue Beziehung zu ihnen. Der Film baut seine Figurenwelt ohne überflüssige Erklärungen auf, die Darstellungen wirken natürlich, und das Ende verändert mit einer plötzlichen Wendung unsere Vorstellung von Freundschaft. Die letzte lange Einstellung, in der die beiden ihren Weg gemeinsam fortsetzen, ist schlicht und wirkungsvoll. Hier ist die lange Einstellung Teil der Erzählung, nicht eine Zurschaustellung der Fähigkeit des Regisseurs, eine lange Einstellung zu halten.

L’estive von Naël Khleifi ist ebenfalls ein minimalistischer Film über Hanna, eine junge Hirtin, die in der Abgeschiedenheit der Alpen lebt. Die Ankunft von Lisa, die bei der Arbeit mit den Tieren hilft, holt sie nach und nach aus ihrer Isolation. Der Film ist schlicht, behält aber in der Nutzung des Raums und in der Schaffung kleiner menschlicher Situationen die Kontrolle.

Doch der für mich nachhaltigste Film dieses Jahres war La ilusión de un verano sin fin (The Illusion of an Everlasting Summer) von Alessandra Sanguinetti. Der Film begleitet fünfundzwanzig Jahre lang das Leben von Guillermina und Belinda in den Weiten Argentiniens. Archivbilder stehen neben neuen Aufnahmen, und die Zeit selbst wird zu einem Teil der Struktur des Films.

Die Stärke des Films liegt genau in dieser Geduld.

Die Freundschaft dieser beiden Frauen wird nicht durch Dialog erklärt; sie zeigt sich im Verlauf der Zeit: im Wandel der Körper, im Wandel der Lebensumstände, in kalten und warmen Jahreszeiten und in Momenten, in denen die Kamera nach Jahren noch immer dieselben Menschen findet.

Der Film bringt den Zuschauer zum Lachen und konfrontiert ihn zugleich aus der Perspektive dieser beiden Frauen mit den Schwierigkeiten ihres Lebens. Der Subtext des Films handelt von einer Freundschaft, die von der Kindheit bis in die letzten Lebensphasen andauern kann; einer Beziehung, die die Zeit immer wieder verändert, aber nicht zerstört.

Hier ist die Kamera nicht nur Zeugin eines Lebens; die Kamera hält die Zeit selbst fest.

Vielleicht ist gerade das der interessante Punkt dieser Ausgabe: dass inmitten von Filmen mit sehr unterschiedlichen Sprachen und Kulturen der Begriff der Freundschaft immer wieder in verschiedenen Formen zurückkehrt. In Ketticè schaffen sich zwei Jugendliche gegenüber der Welt der Erwachsenen einen Zufluchtsort. In Los Días Libres wird Begos Beziehung zur Gruppe der Skater zu einem Weg, aus ihrem inneren Zustand herauszutreten. In L’estive durchbricht die Ankunft eines weiteren Mädchens die Stille und Isolation des jungen Hirten. In A Margem do Rio entsteht eine verborgene Beziehung zwischen zwei Menschen in einem gefährlichen Umfeld. Sogar in Frank & Louis kommen sich zwei Häftlinge inmitten jenes Raums nahe, der Menschen eigentlich voneinander trennen soll.

Doch dieses Motiv erreicht in La ilusión de un verano sin fin seine vollständigste Form; dort ist Freundschaft kein vorübergehendes Ereignis im Leben mehr, sondern etwas, das fünfundzwanzig Jahre andauert, sich verändert, Schaden nimmt und sich wieder neu formt.

Und vielleicht ist genau das, was die Festivals selbst mehr als alles andere brauchen: nicht nur Namen und Filme nebeneinanderzustellen, sondern eine Beziehung zwischen ihnen zu schaffen; einen Film zu finden, der mit dem Publikum Freundschaft schliessen kann.

Denn wenn die Lichter im Saal erlöschen, bleibt weder der Name des Festivals noch der Preis noch das Renommee des Filmemachers. Was bleibt, ist ein Film, der uns nicht loslässt; ein Film, von dem noch Tage später etwas in unserem Kopf bleibt.

Vielleicht lautet die Frage nicht nur, wer den Leoparden gewinnt.

Vielleicht lautet die Frage, ob die Leoparden mit uns Freundschaft schliessen.

Anmerkung der Redaktion:
Der Artikel wurde verfasst, bevor die Festivalpreise bekannt gegeben wurden. You Don’t Belong Here hat das Pardo d’Oro erhalten. The Illusion of an Everlasting Summer hat das Pardo d’Oro vom Concorso Cineasti del Presente und das Swatch First Feature Award gewonnen.
Violence du corps de l’autre und Ich ist ein Anderer: Hier finden Sie die Kritik und das Interview mit Denis Côté auf Französisch, hier die Kritik und das Interview mit Felix Randau auf Französisch – von Malik Berkati

Majid Movasseghi, Locarno

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