lifestyle & responsible citizenship
Lila (Sara Forestier) est bègue et s’est réfugiée dans le silence, par peur d’être nuée et muselée par un père intransigeant (Jean-Pierre Léaud). Sa vie bascule lorsqu’elle rencontre Mo (Redouanne Harjanne), un jeune homme charismatique, en manque d’adrénaline et d’amour. Ils tombent fou amoureux, mais Lila va découvrir que Mo a aussi ses secret inavouables dans notre société basée sur l’excellence et la compétition.
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The Venezia 74 Jury, chaired by Annette Bening, and comprised of Ildikó Enyedi, Michel Franco, Rebecca Hall, Anna Mouglalis, David Stratton, Jasmine Trinca, Edgar Wright and Yonfan having viewed all 21 films in competition, has decided as follows:
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Le couple Besson divorce. Pour protéger son fils (le très prometteur Thomas Gioria) du père (Denis Ménochet) qu’elle accuse de violences, Miriam (Léa Drucker) en demande la garde exclusive. La juge (Saadia Bentaïeb) en charge du dossier accorde une garde partagée au père qu’elle considère bafoué. Pris en otage entre ses parents, Julien va tout faire pour empêcher que le pire n’arrive.
Pour ses débuts, Xavier Legrand choisit l’un de ces films qui racontent une histoire passionnée, pour aborder un thème difficile et délicat : la violence conjugale. Ce jeune réalisateur français n’a pas oublié que l’engagement et les thèmes ne sont pas et ne doivent jamais être le substitut d’une bonne trame et d’un scénario travaillé.
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Après l’arrestation de son mari (furtive apparition d’André Wilms), Hannah (Charlotte Rampling) commence à s’effondrer. Grâce à l’exploration de son identité brisée et à la perte de maîtrise de soi, le film étudie l’aliénation de la modernité, la difficulté d’avoir des relations, la frontière entre l’identité individuelle, les relations humaines et les pressions sociales.
Se déroulant dans une ville anonyme belge (bien que choisie pour des raisons évidentes de production), Hannah traverse le drame d’une femme âgée dont le mari est emprisonné pour une raison terrible (qui ne sera expliquée que plus loin). Elle passe ses jours dans une solitude presque complète, dorénavant détestée par son fils et pratiquement évitée par tout le monde. Une femme dont la condition économique va soudainement s’aggraver, étant donné qu’elle a une maison assez spacieuse mais délabrée – elle est contrainte à aller faire le ménage dans un appartement luxueux et d’occuper le reste de son temps avec quelques loisirs (la piscine et des leçons de théâtre).
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Quatre ans après le succès de La vie d’Adèle, le réalisateur franco-tunisien Abdellatif Kechiche, très attendu sur les rives du Lido, tant par la presse que par les festivaliers, revient à la Mostra de Venise pour la quatrième fois. Avec Mektoub, My Love :Chant un, premier volet d’une trilogie, il propose une réflexion sur les merveilles de la jeunesse et de l’éveil à la sexualité, souvent débridée.
Suite à la projection de presse, le réalisateur a divisé la presse internationale, à la fois fascinant et semant la polémique avec son film en compétition, dont les acteurs sont majoritairement de jeunes premiers : Shaïn Boumedine, Ophélie Bau, Lou Luttiau, Salim Kechiouche, Hafsia Herzi et Alexis Chardard, tous à la plastique très attrayante ce qui a déclenché beaucoup d’enthousiasme lors du photo-call.
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Le film de Michaël Roskam propose un mélange incongru et excessif entre le film noir, film de gangster et une histoire d’amour.
Après Bullhead. Jacking’s Winning Ascent et Who is Without Fault, Michaël R. Roskam retourne face au monde des gangsters et des petites frappes avec Le fidèle avec les protagonistes Adèle Exarchopoulos et Matthias Schoenaerts. film présenté hors compétition. Le film a été choisi pour représenter la Belgique aux Oscars 2018 dans la catégorie des meilleurs films en langue étrangère.
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Lui, c’est Teo (Adriano Giannini), un publicitaire bellâtre, charmant et fougueux qui vit au jour le jour, fuyant toute responsabilité et stabilité, dévalant les rues de Rome avec sa moto; Teo a perdu contact avec la famille, a une petite amie officielle, Greta, et une maîtresse pocntuelle, un travail qu’il aime et l’amène à être toujours en contact avec son monde. Elle, c’est Emma (Valeria Golino), est une femme aveugle, séparée de son mari; autonome, Emma est ostéopathe, déterminée et responsable, a de nombreux amis et aide une adolescente non voyante à faire de son handicap une force grâce au pouvoir de l’imagination.
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Martin McDonagh s’approche de la sentimentalité dans son examen brutal du fonctionnement interne d’une petite ville.
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Trois panneaux d’affichage en dehors d’Ebbing, Missouri) reste intrinsèquement lié aux films précédents de Martin McDonagh, mettant en éveil tous les délicieux blasphèmes, les points de vue corrosifs et les clichés délicieusement savoureux qui ont fait la patine de son style charmant avec Bruges et Seven Psychopaths. Mais ici, McDonagh a choisi l’appât et le changement, à travers un film qui porte son nihilisme fatigué avec un ton étonnamment léger, une tonalité ultérieurement abandonnée en faveur d’un message de grâce inattendu. C’est-à-dire que non seulement Three Billboards Outside of Ebbing, Missouri est le film le plus accompli du réalisateur, c’est aussi son plus compatissant.
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Loving Pablo, sur histoire du puissant trafiquant Pablo Escobar et l’histoire d’amour qui l’a lié à la journaliste Virginia Vallejon (dont le livre a inspiré le film) vient d’être présenté a Venise hors concours. Pour interpréter les deux protagonistes du film de Fernando Leon de Aranoa, Bardem est Pablo Escobar, le chef tout puissant et sanglant de la drogue colombienne; Cruz est une journaliste de télévision colombienne qui entre dans son monde, attirée magnétiquement par le luxe et le faste, devient son amant jusqu’à risquer sa vie. Javier Bardem et Penelope Cruz, un couple a la ville, sont venus combler de bonheur les fans et les photographes au Lido de Venise. L’actrice a déclaré : “Il était difficile d’être sur le plateau avec Javier incarnant un monstre comme Escobar”.
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En compétition à la 74e Mostra du film de Venise, Mother! Darren Aronofsky est encore une autre parodie destructrice du réalisateur new-yorkais, caractérisée par un récit fébrile et une utilisation sombre de la métaphore.
Les films de Darren Aronofsky sont des paraboles consacrés à l’autodestruction, où la spirale de l’emprise et le spectre de la mort sont toujours provoquée par une obsession poursuivie jusqu’à la fin, indépendamment de la futilité ou de la noblesse des intentions. Le fil conducteur douloureux qui mêle différentes façons de flirter avec les genres ne fait pas defaut dans Mother ! Chaque nouveau film de Darren Aronofsky l’amène à charger de métaphores et d’allégories: chacun de ses films peut être brutal, charnel et matériel ou métaphysique (The Fountain et Black Swan).